Emmanuelle Castellan
Née en 1976 à Aurillac, France
Vit et travaille à Toulouse, France

L’art d’Emmanuelle Castellan développe une relation ténue à l’espace qui trouve sa forme dans une pratique picturale décloisonnée. Qu’elles adoptent le cadre classique du tableau, qu’elles apparaissent directement à même le mur ou qu’elles se déploient en trois dimensions dans les maquettes ou les installations, ses oeuvres sont des zones transitoires qui contaminent l’espace. A partir de photographies qu’elle trouve dans les journaux ou qu’elle produit elle-même, l’artiste tente l’exercice de la disparition et de la réapparition de l’image dans la peinture. Elle fait de l’expérience une règle de travail, ses pièces mettent au jour les principes actifs de la persistance de l’image dans le lieu et dans le temps.

Les frères Chapuisat

Grégory Chapuisat
Né en 1972 à New-York, USA
Cyril Chapuisat
Né en 1976 à Bienne, Suisse

Habitent et travaillent "in situ"

Dewar et Gicquel

Daniel Dewar
Né en 1976 à Forest Dean, Royaume-Uni
Vit et travaille à Nantes, France
Grégory Gicquel
Né en 1975 à Saint Brieuc, France
Vit et travaille à Paris, France

L’oeuvre de Daniel Dewar et Grégory Gicquel est éminemment sculpturale. Plus précisément, elle est le point de convergence de diverses pratiques de la sculpture. Empruntant autant aux formes artisanales, aux objets manufacturés qu’aux techniques artistiques "classiques", elle développe un langage plastique décloisonné qui pose sa transversalité comme condition fondatrice. Leurs oeuvres ont souvent le charme de rencontres impromptues, fragmentaires elles décrivent partiellement l’univers auquel elles appartiennent. Plus qu’un récit, elles installent une atmosphère laissant entrevoir une façon d’envisager le monde à travers une attitude. Le hand made est la figure de style qui traverse l’ensemble de leur production, elle se donne à voir aux Printemps de Septembre à travers un troupeau d’hippopotames échelle un, réalisé en kaolin. Dewar et Gicquel se jouent du mythe de l’originalité en art, ils se servent d’éléments, de techniques, ou de modèles, accessoires ou déconsidérés et mettent à mal les dogmes restreints de l’académisme.

Sophie Dubosc active des formes ou des matériaux marqués par le temps. Elle patine ainsi ces sculptures d’un authentique vernis de réalité touchant directement à la mémoire et aux sentiments. Qu’elles soient prises dans le béton, dans le plâtre, noyées sous l’huile de vidange, sous l’encre de Chine ou dans du thé, ses pièces prisonnières semblent crier leur désir d’évasion. L’assemblage de formes ou de textures crée une atmosphère stagnante qui estompe les contours d’une approche didactique pour exhorter une compréhension intuitive des formes. Car si ces oeuvres s’en réfèrent à l’expérience intime de l’artiste ou à des événements précis de l’Histoire, elles convoquent néanmoins une parole collective qui résonne en chacun. L’art de Sophie Dubosc prend résolument le parti du souvenir pour dresser le décor d’une délicate poétique.

Sarah Fauguet et David Cousinard

Sarah Fauguet
Née en 1977 à Cosne-sur-Loire, France
David Cousinard
Né en 1976 à Charleville-Mézières, France

Vivent et travaillent à Paris

Sarah Fauguet et David Cousinard produisent d’imposants environnements sculpturaux. Leur oeuvre organise un ensemble baroque constitué d’une multitude de formes qui sont autant d’indices offerts à l’élaboration d’éventuels récits. Combinant les codes familiers de l’architecture, de l’ornement, du décor ou du mobilier, ils créent un vocabulaire d’objets qui contrarie le discernement. Les changements d’échelles, les télescopages, l’incongruité et la fragmentation de ces éléments leur donnent une étrangeté familière. Ces formes connues nous échappent tant leur rencontre semble incertaine, elles structurent un univers global et inaccessible dans lequel s’exprime la sourde violence d’une autorité latente. Leur art élabore un système de montage complexe qui plonge le spectateur au coeur d’une zone de tension permanente.

Armand Jalut est peintre. Après avoir expérimenté un certain nombre de supports, il a choisi de se soumettre à la rigueur du médium pictural. Ses oeuvres développent un imaginaire aux contours étranges et parfois inquiétants dans lequel se côtoient différents éléments de l’imagerie contemporaine (de la presse, de l’Internet ou des prises de vue personnelles) et de l’histoire de l’art. Ses compositions sont fragmentaires, elles fonctionnent comme des collages et dessinent des situations artificielles qui interdisent toute forme de lecture immédiate.
Le regard doit pénétrer dans une sorte d’énigme visuelle qui se traduit dans la matière même du tableau. Les textures des sujets se mêlent souvent à celles de la peinture et invitent à plonger au plus près de l’espace pictural afin de démêler ces points de convergence où la forme se confond avec les moyens de son apparition.

Julien Laforge
Né en 1983 à Pontivy, France
Vit et travaille à Paris

Les oeuvres que Julien Laforge présente pour le Printemps de Septembre contrarient notre rapport à l’espace par leur monumentalité. Leur échelle invite le mouvement et l’expérimentation physique. Alliant de lourdes structures architecturales à des éléments aux formes rondes et animales, elles semblent marquer le point de convergence de plusieurs territoires. Ces sculptures évoluent sur une ligne de flottaison comprise entre d’archaïques fonds sous-marins et notre réalité contemporaine. La Mer des mamelles est la plus imposante des réalisations de Julien Laforge. La pièce se parcourt comme on explore une terre inconnue, à la recherche perpétuelle d’éléments qui échappent au regard. Entre l’architecture et le paysage, elle dessine une topographie intrigante qui ne se laisse appréhender que partiellement.

Les installations d’Emmanuel Lagarrigue utilisent un vocabulaire formel épuré, constitué quasi exclusivement de fils de raccordement et de hautparleurs nus. Le son (bribes de conversation, extraits de livres lus, chansons fredonnées / découpées / recomposées…) devient, comme la lumière, un élément sculptural qui modèle l’espace d’exposition par le jeu des perceptions. Les dispositifs visuels et sonores englobent le spectateur et le font pénétrer dans un espace entièrement redéployé. Les voix que l’artiste utilise sont parfois à la limite de l’audible. Appels insaisissables jouant sur une certaine forme de frustration, elles traduisent la difficulté de l’écoute, la complexité de la construction du rapport à l’autre. La légèreté de ces pièces laisse à chacun une place active et permet l’élaboration de scénarios où se mêlent ce qui est montré et ce qui est imaginé. Ces oeuvres sont des structures productives qui génèrent une ambiance et invitent généreusement à la sensation.

Florentine et Alexandre Lamarche-Ovize

Florentine Lamarche-Ovize
Née en 1978 à Rosenheim, Allemagne
Alexandre Lamarche-Ovize
Né en 1980 à Le Coteau, France

Vivent et travaillent à Paris.

Florentine et Alexandre Lamarche Ovize pratiquent le dessin, la peinture et la sculpture avec un goût revendiqué pour le mélange des genres et des matériaux. Leur oeuvre protéiforme défie l’entendement des catégories tant elle aspire à décadrer la peinture, à destructurer la sculpture et à proposer des formes vives qui fonctionnent comme autant de fragments d’un sens à reconstruire. Les différents éléments prolifèrent, ils écrivent un langage pictural/sculptural qui pose les jalons d’un univers ouvert et singulier. C’est autant dans la rue et ses rebuts que dans l’art que leur oeuvre prend sa source. Elle se donne à voir comme un croisement incertain qui se développe dans l’espace avec une fragilité maîtrisée.

Myriam Mechita crée des mirages. Ses oeuvres cristallisent les forces contraires de la création et de la destruction, de la vie et de la mort. Mais le corps reste prédominant dans ses sculptures et ses installations. Essentiellement des corps d’animaux, quand elle reprend les "âmes" (ou les formes) qu’utilisent les taxidermistes pour les recouvrir de paillettes, de perles, de chrome ou d’aluminium poli miroir, jusqu’à offrir l’illusion d’absence de matière. Comme pour les replonger dans une sorte de bain cosmique qui viendrait défier l’expérience de la finitude en leur redonnant une dimension magique et sacrée. Ses images murales monumentales procèdent d’une même liquéfaction, d’une même alchimie : elles se répandent dans l’espace jusqu’à rendre obsolète l’opposition entre physique et mental. Bien qu’elle joue de l’immatérialité, de l’apparition et de la disparition, cette oeuvre demeure extrêmement physique et dynamique. Elle prend en charge le jeu des forces antagonistes qui régissent l’univers dans un rituel poétique rare et précieux.

Possesseur d’une double nationalité brésilienne et britannique, Camila Oliveira Fairclough a choisi en 1999 de poursuivre sa formation entamée à Rio de Janeiro à l’école des Beaux-Arts de Paris. Elle développe une peinture abstraite et élémentaire qui réactive les interrogations picturales fondamentales qui ont traversé l’histoire du XXe siècle via l’abstraction géométrique, l’art minimal ou le Pop art. Son art fait de l’espace de la toile un champ d’expérimentation dans lequel les rapports de rythmes, de structures, de composition, de couleur s’énoncent pour tenter de questionner la peinture elle-même et sa réception. Ses formes primaires, si elles ne sont pas à proprement parler des schématisations d’éléments réels, n’en conservent pas moins un lien étroit au monde. Elles résonnent en chacun comme les souvenirs attisés d’une mémoire collective.

Les oeuvres de Stéphane Thidet sont toujours suspendues entre deux moments, entre deux états. Elles ont fait le choix de l’indécision pour poser les limites ouvertes de leur territoire. Le refuge que l’artiste montre pour le Printemps de Septembre use également de l’inachevé, son mouvement est sans fin. Rencontre fortuite entre une forme archaïque d’architecture (la cabane) et une forme primaire d’événement (la pluie), la pièce compose le tableau délicat d’une lente destruction à venir : la pluie tombant en continu à l’intérieur de l’habitation finira par éroder les pièces de mobilier en bois, seuls éléments non traités de l’oeuvre. L’installation se donne à voir comme un paysage poétique livré aux caprices du temps.

Les oeuvres de Nicolas Tourre s’intéressent davantage aux éléments qui font la peinture qu’à ses sujets proprement dits. Elles étendent le champ de la pratique picturale bien au-delà du tableau avec ce désir sans cesse reformulé d’extraire l’image de la planéité qui lui est censément dévolue. Il s’agit de corrompre le médium pour négocier une échappée belle. Gratter la surface d’un pan de bois devient ainsi un moyen pour renverser le plan. Ce geste obsessionnel fait du tableau un espace grotesque tant l’artiste s’applique à le saborder pour l’obliger à s’incarner. Le champ pictural est un champ de bataille qui fait de ses ruines les principes d’une reformulation. Quand elles envahissent le sol, ses oeuvres ont cette même détermination à ne pas se laisser écraser par le jeu du plan et de la représentation. Elles mêlent alors des éléments et des matériaux qui sont autant de stratagèmes d’une redéfinition globale de l’oeuvre.

Maya Schweizer
Née en 1976 à Maison Alfort, France
Vit et travaille à Berlin, Allemagne
Clemens von Wedemeyer
Né en 1974 à Göttingen, Allemagne
Vit et travaille à Berlin et Leipzig, Allemagnee

Inspiré de la pièce Catastrophe de Samuel Beckett, le film Rien du tout de Maya Schweizer et Clemens Von Wedemeyer nous emmène sur un tournage à la rencontre d’une réalisatrice autoritaire, de son assistant brimé et d’une foule de figurants qui ne tarderont pas à se révolter. Alternant des prises de vues tournées en vidéo et d’autres en 35 mm, le film développe un langage critique qui adapte précisément sa structure à son récit. L’usage de la vidéo renvoie directement à l’idée du "réel" produit par le genre documentaire ou télévisuel alors que la technique cinématographique, pour sa part, assied l’image dans un registre fictionnel. Cet aller-retour, d’une stratégie esthétique à une autre, répond à l’ambivalence même du scénario qui met en abyme son propre déroulement et nous montre, à côté de l’histoire, les moyens de sa réalisation. Dans le récit comme dans sa mise en image, il s’agit de donner à voir le renversement de l’ordre établi et la disparition possible de toute hiérarchie.