« Cette exposition a été conçue conjointement à un nouveau programme d’acquisition intitulé Absolumental. Elle rassemble une trentaine d’œuvres qui pour la plupart viennent de rejoindre les collections contemporaines des Abattoirs.

Ce projet s’est construit dans le croisement de motifs récurrents. Parmi ceux ci on trouve notamment l’exploration de la lisière entre le réel et l’imaginaire, à travers la fantasmagorie, la fiction, le rêve, ou le mythe. Le cerveau humain, vu comme une galaxie largement méconnue, apparaît comme une figure centrale de cette présentation. En parallèle, les évocations du cosmos relèvent le défi des limites de la représentation de l’infini et de l’absolu.

« Absolumental », fait écho aux propos du physicien russe Andrei Linde, théoricien de l’inflation chaotique de l’univers : « Notre monde en devenant une sorte d’immense cerveau, au lieu d’être simplement tridimensionnel, s’élargit considérablement. Le monde réel, la conscience, l’illusion deviennent si intimement entrelacés qu’il devient très difficile de dire qui est qui, qui fait quoi… Comment distinguer ce qui se passe réellement de ce qui est imaginaire, ce qui est conscient de ce qui ne l’est pas ? Peut être parviendrons nous à une compréhension profonde de tout cela … ».

Depuis peu, l’exploration de l’espace mental, conscient ou inconscient, objectif ou subjectif, prend une place de plus en plus importante dans l’art contemporain. Ce mouvement concerne aussi d’autres champs du savoir et de la connaissance. Il donne lieu à des œuvres et à des productions à part, souvent inclassables, comme affranchies du poids des moyens techniques et des conventions esthétiques ou culturelles.

Simultanément à ce qui se développe dans l’art, certaines conceptions philosophiques et scientifiques récentes avancent que le travail de la dimension mentale favoriserait une nouvelle fluidité entre l’intérieur et l’extérieur, entre l’individu et son environnement. La fonction de la représentation mentale, qui est à l’origine de tout acte artistique, serait aussi et avant tout, le moyen d’assurer la coexistence de l’individu et de ses mondes.

Ce phénomène, ou cette tendance, traduit sans doute une sorte de lassitude pour ne pas dire une forme de résistance ou de révolte face aux images, aux politiques et aux constructions idéologiques qui dominent le spectacle planétaire de ce début du XXI ème siècle. Mais il représente surtout une dynamique différente, nouvelle, qui n’a rien d’une réaction, d’un repli sur soi et encore moins d’un déni de réalité.

En fait, cet intérêt croissant pour le mental et le fantasmagorique recoupe des enjeux actuels cruciaux relatifs à l’évolution de notre rapport au monde. Car si le monde est bien ce que l’on en fait matériellement et physiquement, il reste au préalable déterminé par nos représentations mentales.

Dès lors la conscience et l’expérimentation du mental en vue d’un renouvellement de nos représentations et de nos conceptions du monde apparaissent aujourd’hui comme autant d’urgentes nécessités, aussi bien d’un point de vue artistique que global.

En tant que processus mental objectivé / subjectivé, l’œuvre d’art assurerait alors une fonction organique. Elle métaboliserait notre relation à l’indéterminé et à l’inconnu dans des formes hybrides de l’absolu et du mental. Ce serait même l’un des facteurs déterminant pour la survie de l’espèce ».

Pascal Pique
Commissaire de l’exposition

Artistes présentés :  Stéphane Calais, Evru, Mounir Fatmi, Thomas Grünfeld, John Isaacs, Myriam Mechita, Bruno Peinado, Guillaume Pinard, Daniel Schlier, Fabien Verschaere

John Isaacs, « Utopia », 2001 et Mounir Fatmi, « Tête dure », 2005

Myriam Mechita, « La suprématie du savoir ou l’oeuvre révélée », 2005

Fabien Verschaere, « Black clown and mystery », 2004

Depuis 2007, la Théâtrerie « Fabrique d’arts » et le pôle art contemporain du musée les Abattoirs mènent conjointement un projet d’exposition annuelle.  L’objectif de ce partenariat est de diffuser la création artistique sur le territoire, de sensibiliser les publics à l’art contemporain, de refléter la multiplicité des expressions actuelles. Afin de faciliter l’accès de publics divers à l’art contemporain, l’exposition s’accompagne d’un programme d’activités de sensibilisation adaptés à la multiplicité des visiteurs (visites accompagnées adultes et jeunes publics, ateliers pédagogiques, formations enseignants, etc.).

« Devenu la figure emblématique du Pop art avec ses sérigraphies, Warhol a confondu sa vie et son œuvre. Par ses appropriations et répétitions des clichés américains, il livre, avec le pragmatisme mécanisé de la sérigraphie, l’œuvre d’art à un système désenchanté. Dès 1962, les héros de BD et autres produits de consommation cohabitent avec les portraits de stars qui préservent cependant la froideur d’un étalage. Ces images restent des icônes importantes du XXème siècle, tant par leur valeur symbolique que sur le plan de leur statut d’images reproductibles à l’infini. À la fois portraits et objets, ces sérigraphies continuent de fasciner les artistes et le public.

Cette série de Marilyn,d’une étonnante qualité a été mise sur le marché il y a quelques années. Il ne s’agit pas de l’une de ces séries originales provenant de la Factory et signées par Andy lui-même. On ne peut toutefois pas parler de « faux » tant le projet de Warhol induit cette notion et cette économie de la reproductibilité. L’autre particularité de cette série est de comporter au recto la marque d’un tampon qui engage son possesseur à signer en lieu et place de l’artiste. Warhol partage ainsi sa propre célébrité avec celle de Marilyn.«   Pascal Pique

Exposition du 4 mars au 23 avril 2009
Théâtrerie « Fabrique d’arts ». 1, square des combattants d’AFN – 31600 Muret
Ouvertures du lundi au vendredi de 10h à 12h et de 14h à 19h

Daniel Cordier, grand marchand, ancien résistant et secrétaire de Jean Moulin, après avoir fait don d’un premier ensemble de quelques 500 œuvres d’art moderne et contemporain au Centre Pompidou, en 1989, a récemment renouvelé son geste avec d’autres œuvres, notamment d’art premier.

Cette exceptionnelle collection reflète les choix d’une personnalité hors du commun, qui a toujours rejeté toute idée de collection raisonnée, au profit du plaisir, de la jouissance et du caprice.

« Il y a bien des manières d’aborder les œuvres d’art. Du philosophe au marchand, du critique à l’historien, du conservateur à l’amateur. Chacun ajuste son regard qui n’exclut pas les autres.
L’ensemble des objets réunis ici est l’effet du hasard. Ils n’ont d’autre lien que la jouissance d’un amateur et reflètent les désordres du plaisir.
C’est dire le paradoxe d’exposer dans un musée ce qui lui est antagoniste : les classements de l’histoire sont niés au profit des caprices.
Une institution exemplaire peut-elle accepter cette bombe à retardement qui bafoue son organisation et menace ses principes ?
L’école buissonnière peut-elle triompher des rigueurs de l’histoire ?
A vous de jouir… »

Daniel Cordier, 2007

L’exposition Donations Daniel Cordier est proposée à la fois au musée des Abattoirs de Toulouse et au Mnam Centre Pompidou.

Les délais très brefs de la commande ne lui permettent pas d’exécuter une œuvre originale et il décide d’agrandir une petite gouache rehaussée d’encre de Chine, peinte le 28 mai 1936 : La Dépouille du Minotaure en costume d’arlequin.

Le rideau fut rapidement brossé dans la semaine précédant la première représentation, le 14 juillet 1936, grâce au talent de Luis Fernandez, peintre et ami de Picasso. La gouache originale fut considérablement agrandie selon la méthode de la mise au carreau dont les tracés sont encore visibles, ainsi que le dessin sous-jacent des figures

L’ampleur du souffle révolutionnaire et pacifiste de la pièce de Rolland trouve son équivalent dans l’impressionnante « minotauromachie » de Picasso qui affirme ainsi une cohérence entre la vie, la peinture, le théâtre et l’Histoire.

Le rideau de scène pour le Quatorze-juillet condense les recherches stylistiques, iconographiques et formelles de l’artiste : expressivité plastique de la « période bleue », clarté et luminosité du dessin classicisant d’après 1917 et surréalité du thème. Il servit de décor pour de multiples représentations et fut offert par l’artiste à la Ville de Toulouse en 1965.

Le rideau de scène est actuellement exposé, jusqu’à fin janvier 08

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